名家名畫簡介

蒙克[挪威] 《吶喊》

創作于1893年，現珍藏于奧斯陸國家畫廊。

挪威畫家愛德華·蒙克 (Edvard Munch，1863—1944)，堪稱二十世紀表現主義藝術的先驅。他出生于挪威洛頓。

童年時父母雙亡的經歷在其心靈深處打下不可磨滅的印記。這使他早年畫下了許多以疾病與死亡為主題的作品。

1890年，他開始著手創作他一生中最重要的系列作品“生命組畫”。這套組畫題材范圍廣泛，以謳歌“生命、愛

情和死亡”為基本主題，采用象征和隱喻的手法，揭示了人類“世紀末”的憂慮與恐懼。蒙克1893年所作的油畫《吶

喊》，是這套組畫中最為強烈和最富刺激性的一幅，也是他重要代表作品之一。在這幅畫上，蒙克以極度夸張的筆法，

描繪了一個變了形的尖叫的人物形象，把人類極端的孤獨和苦悶，以及那種在無垠宇宙面前的恐懼之情，表現得淋漓

盡致。

米勒[法國] 《拾穗者》

創作于1857年，現珍藏于巴黎的奧塞美術館。

讓·弗朗索瓦·米勒Jean-Francois Millet (1814-1875年) 是19世紀法國杰出現實主義畫家，以描繪農村主題

見長，他創作的作品以描繪農民的勞動和生活為主，具有濃郁的農村生活氣息。

米勒于1857年完成的《拾穗者》（Des glaneus），本來是一幅描寫農村夏收勞動的一個極其平凡的場面，可是

它在當時所產生的藝術效果，卻遠不是畫家所能意料的。這幅畫原來的題目是《八月》。表現的是一個歡樂的夏收場面，

但由于畫家的現實主義手法，使富饒美麗的農村自然景色與農民的辛酸勞動形成了對比。接近米勒的幾位社會活動家

看到了這幅畫中可貴的真實，建議畫家修改構圖。在他們的鼓勵下米勒漸漸改變人物，直至最后前景上只剩下三個拾

穗粒的農婦形象。熱烈繁忙的夏收場面卻被推到背景的最遠處。這一修改，竟使作品產生了驚人的社會效果。在被法

國革命風暴席卷過的巴黎，一幅畫、一篇文章往往會被從中附會出政治色彩。事實上，藝術的社會效果并不始終和畫

家的創作意圖相一致。米勒的農村風景畫從不寄予任何社會改革的愿望。但他的畫常常被熱心者用來鼓吹新政治，尤

其在法國七月革命和歐洲1848年革命之后，作為宣傳民主的象征，米勒的地位突然顯著起來了，甚至被人們奉為社會

的先知。

梵高[荷蘭] 《星空》

創作于1889年，現珍藏于紐約現代藝術博物館。

星空，也被譯為《星夜》。1889年荷蘭后印象派畫家文森特·梵高于在圣雷米的一家精神病院里創作的一幅著名油

畫作品。這幅畫中呈現兩種線條風格，一是歪曲的長線，一是破碎的短線。二者交互運用，使畫面呈現中眩目的奇幻

景象。在構圖上，騷動的天空與平靜的村落形成對比?；鹧鎰t與橫向的山脈，天空達成視覺上的平衡。

作為表現性的后印象主義畫家梵高的作品，這幅畫有很強的筆觸。油畫中的主色調藍色代表不開心、陰沉的感覺。

很粗的筆觸代表憂愁。畫中景象是一個望出窗外的景象。畫中的樹是柏樹，但畫得像黑色火舌一般，直上云端，令人

有不安之感。天空的紋理像渦狀星系，并伴隨眾多星點，而月亮則是以昏黃的月蝕形式出現。整幅畫中，底部的村落

是以平直、粗短的線條繪畫，表現出一種寧靜；但與上部粗獷彎曲的線條卻產生強烈的對比，在這種高度夸張變形和

強烈視覺對比中體現出了畫家躁動不安的情感和迷幻的意象世界。梵高生前非常欣賞日本浮世繪《冨岳三十六景》中

的《神奈川沖浪裏》，而《星空》中天空的渦狀星云畫風被認為參考并融入了《神奈川沖浪裏》的元素。

畢加索[西班牙] 《鏡前的少女》

創作于1932年3月，現珍藏于紐約現代藝術博物館。

《鏡前的少女》是耐人尋味的立體主義，但重在平面分解。女人的各個局部予以幾何化，并規范成各種圓形：圓

形有臉、鏡子、乳房、臀部和圓形鏡中的反映物，鏡中鏡外的圓形構成，成了富有裝飾趣味的圓形圖案。

這幅畫是畢加索以立體派描繪女人形象和新古典派風格相結合的產物，是形象極端自由性——線條和色彩自由組

合的杰作，借用美學家卡·古·榮格（C·G·Jung）的一句話，這叫做"無意識的集合體"。

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梵高 [荷蘭] 《向日葵》

創作于1888 年8月,現藏于倫敦國家畫廊。

梵高作畫時,懷著極狂熱的沖動,追逐著猛烈的即興而作,這幅流芳百世的《向日葵》就是在陽光明媚燦爛的法國南

部所作的。梵·高筆下的向日葵，像閃爍著的熊熊的火焰,是那樣艷麗,華美,同時又是和諧,優雅甚至細膩,那富有運動

感的和仿佛旋轉不停的筆觸是那樣粗厚有力,色彩的對比也是單純強烈的。然而,在這種粗厚和單純中卻又充滿了智慧

和靈氣。

堪稱梵高的化身的《向日葵》僅由絢麗的黃色色系組合。梵高認為黃色代表太陽的顏色，陽光又象征愛情，因此

具有特殊意義。他以《向日葵》中的各種花姿來表達自我，有時甚至將自己比擬為向日葵。梵高寫給弟弟西奧的信中

多次談到《向日葵》的系列作品，其中說明有十二株和十四株向日葵的兩種構圖。他以12來表示基督十二門徒，他還

將南方畫室（友人之家）的成員定為12人，加上本人和弟弟西奧兩人，一共14人。

達·芬奇[意大利] 《最后的晚餐》

創作于1499年，現珍藏于米蘭圣瑪利亞德爾格契修道院。

列奧納多·達·芬奇（1452-1519年）意大利文藝復興時期的文化名人，和米開朗琪羅，拉斐爾·桑西并稱文藝復

興三杰，也是人類文明史上罕見的全才。他不僅是天才的畫家、雕塑家、建筑師、詩人、哲學家和音樂家，而且是位

很有成就的解剖學家、數學家、物理學家、天文學家、地理學家和工程師 等。

《最后的晚餐》是達·芬奇畢生創作中最負盛名之作，在眾多同類題材的繪畫作品里，此畫被公認為空前之作，

尤其以構思巧妙，布局卓越，細部寫實和嚴格的體面關系而引人入勝。構圖時，他將畫面展現于飯廳一端的整塊墻面，

廳堂的透視構圖與飯廳建筑結構相聯結，使觀者有身臨其境之感。畫面中的人物，其驚恐，憤怒，懷疑，剖白等神態，

以及手勢，眼神和行為，都刻畫得精細入微、惟妙惟肖。這些典型性格的描繪與畫題主旨密切配合，與構圖的多樣統

一效果互為補充，使此畫無可爭議地成為世界美術寶庫中最完美的作品。

塞尚[法國] 《一籃蘋果》

創作于1890-1894年，現珍藏于芝加哥藝術學院。

在陳舊的桌子上，鋪著一塊白色臺布，上面放置著一籃蘋果及一個酒瓶，白色的磁盤中盛著面包片，色彩響亮凝

重。白色與黑色使畫面呈現出冷漠、僵硬之感，紅、黃、綠等色分布醒目。畫家強調了物體的體積和空間感，將現實

物體視為一堆結構綜合體，體現出一種冷峻的內在精神氣質。

保羅·塞尚（Paul Cézanne，1839—1906）法國著名畫家，是后期印象派的主將，從19世紀末便被推崇為“新藝

術之父”，作為現代藝術的先驅，西方現代畫家稱他為“現代藝術之父”或“現代繪畫之父”。他對物體體積感的追

求和表現，為“立體派”開啟了思路；塞尚重視色彩視覺的真實性，其“客觀地”觀察自然色彩的獨特性大大區別于

以往的“理智地”或“主觀地”觀察自然色彩的畫家。

拉斐爾[意大利] 《雅典學院》

創作年份于1510-1511年，現珍藏于意大利梵蒂岡博物館拉斐爾展覽室的署名之廳。

《雅典學院》是一幅巨大壁畫（2.794×6.172米），以柏拉圖和亞里士多德為中心，畫了五十多個大學者，不僅出

色地顯示了拉斐爾的肖像畫才能，而且發揮了他所擅長的空間構成的技巧。他對每一個人物的所長與性格作了精心的

思考，其陣容之可觀，只有米開朗基羅的天頂畫才可與它媲美，其時拉斐爾只有26歲。

《雅典學院》是以古希臘哲學家柏拉圖所建的雅典學院為題，以古代七種自由藝術——即語法、修辭、邏輯、數

學、幾何、音樂、天文為 基礎，以表彰人類對智慧和真理的追求。藝術家企圖以回憶歷史上“黃金時代”的形式， 寄

托他對美好未來的向往。它的主題思想，就是崇拜希臘精神，追求最高的生活理想， 這正是人文主義藝術家自己的宿

愿。

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達·芬奇[意大利] 《抱貂女郎》

創作于1485－1490年，現珍藏于波蘭克拉科夫札托里斯基博物館。

《抱貂女郎》，列奧納多·達·芬奇畫出了主人切奇莉亞.加勒蘭妮之美和銀貂的可愛，銀貂的希臘文是“加蘭”

（Galen），又與主人切奇莉亞.加勒蘭妮（Gallerani）的名字相近。此畫是達芬奇僅有的四幅女性肖像畫之一。其他

三幅分別為：《蒙娜麗莎》、《吉內芙拉·德本奇》和《拉貝勒·費羅尼?！?。

梵高[荷蘭] 《羅訥河畔的繁星之夜》

創作于1888年，被私人收藏。

梵高[荷蘭] 《夜晚的咖啡館——外景》

創作于1888年9月，現珍藏于紐哈芬耶魯大學藝廊。

這是梵高的晚期作品，用了他最喜歡的藍色與黃色作為主基調。很容易讓人聯想到《星空》。不同的是，畫中的

夜晚并沒有給人壓抑之感，而是多了幾分和諧歡暢。那時梵高的心情應該是自由快樂的，暫時忘卻了生命的孤獨。

藍色與黃色向來是梵高的最愛，這兩種對比色，一個訴說著恬靜的心情，一個代表著喧鬧的氣氛，在這幅畫中，

即便靜謐的藍色夜晚將至，但由鵝卵石鋪成的廣場，在黃色調的燈光下，依舊展現著人們的歡樂與活力。

本幅畫的筆觸相當準確，這是梵高細心觀察的結果。黃橙的燈光和深藍的夜空相互對比，視線沿著咖啡棚和座位

向后延伸，使畫面產生縱深感。梵高曾說這是一張不用黑色的夜景圖，他成功的運用色彩表現了夜間戶外寫生的效果。

列賓[俄國] 《伏爾加河上的纖夫》

創作于19世紀80年代初，現珍藏于圣彼得堡俄羅斯國立美術館。

伊里亞·葉菲莫維奇·列賓（1844—1930）是俄國19世紀后期到20世紀上半期最偉大的批判現實主義畫家，他

以其無比豐富的創作和卓越的表現技巧，把俄羅斯現實主義繪畫藝術發展到高峰。

《伏爾加河上的纖夫》是列賓的代表作，也是他的成名作。在這幅畫的構圖上，列賓利用了沙灘的地形和河灣的

轉折，使十一個纖夫猶如一組雕像，被塑造在一座黃色的、高起的底座上，使這幅畫具有宏偉深遠的張力，畫中的背

景運用的顏色昏暗迷蒙，空間空曠奇特，給人以惆悵、孤獨、無助之感，切實深入到纖夫的心靈深處，亦是畫家心境

的真實寫照，這對畫旨的體現，情感的的烘托起了極大的作用。在畫面上畫家又對伏爾加河的景色進行了巧妙的布局，

以狹長的橫幅展現這群纖夫的行列。伏爾加河畔陽光酷烈，沙灘荒蕪、近景只有埋在沙里的幾只破筐作點綴。景色十

分凄寂。一隊穿著破爛的 纖夫在拉著貨船，步履是那樣地沉重，似乎可以聽到壓抑低沉的“伏爾加船夫曲”的回聲。

因此本畫的構圖、線條、筆力等繪畫技巧都是相當成功的。

波提切利[意大利] 《誹謗》

創作于1495年，藏佛羅倫薩烏菲齊美術館。

桑德羅·波提切利，原名Alessandro Filipepi（亞里山德羅·菲力佩皮），“波提切利”是他的綽號、藝名，意

為“小桶”。

這幅畫寓意十分深刻。它告訴人們，人間的一切罪惡都是用美麗的形象喬裝打扮以欺騙人民的，統治者聽信壞人

之言，正直好人總是落難，而面對這一切，真理也是無能為力的，這就是社會現實。

畫家在形象塑造方面，使用對比的手法以加強戲劇效果。背景的建筑物由直線和拱形曲線構成，廊柱壁面鑲嵌著

古羅馬圣者和英雄的浮雕，顯得神圣而莊嚴，可是就在這神圣的地方，無辜者和真理受到當權者公然無恥的摧殘和傷

害；真理和無辜者以裸體表現而一切壞人皆以華麗的錦袍包裹，顯示真理與無辜者的純潔美好，畫面人物組合靠手勢

動作發生互相聯系，形成一個完美和諧的藝術整體。

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莫奈[法國] 《花瓶中的鮮花》

克勞德·莫奈（Claude Monet，1840年11月14日－1926年12月5日），法國畫家，印象派代表人物和創始人之

一。莫奈是法國最重要的畫家之一，印象派的理論和實踐大部份都有他的推廣。莫奈擅長光與影的實驗與表現技法。

達·芬奇[意大利] 《戴珍珠頭飾的夫人像》

創作于大約繪制于1490 年間

眾所周知，達·芬奇畫的女性肖像難免存在一種“微笑的公式”，但并非全然如此。他的美學觀總的說是科學求

實的精神。他所集中注意的是對自然規律的探索。

達·芬奇把容貌美麗的女性，看成是自然界最完美的產品，他曾說：“試想奪去一個如此美妙的自然造物的生命，

那是多么殘忍的行為?！彼栽趯Υは癞嬌?，他時時把人的精神氣質與外貌結構結合起來研究的。

這一幅女性側面肖像尤其令人感到其描繪的精確性：那一絲不茍的臉部輪廓，美麗而整齊的秀發，古代貴婦的頭

飾上的珍珠，被他仔細地觀察、研究和刻意描繪著。

那一串從頭繞到頸項的長長的珍珠，幾乎每一顆的立面、高光及其圓潤感都作了細膩的繪寫；黑色的披風和紅色

的束胸上衣，緊緊地襯托出這位女性的豐滿的胸脯，從而增強了貴婦人的華貴與莊重感。

如果說，達·芬奇在《蒙娜·麗莎》上所注重的是她的神秘的笑容，那么，在這里，畫家是以精確的素描結構贊

美著這位婦女的絕世容貌。

達·芬奇[意大利]《蒙娜麗莎的微笑》

創作于1504年左右，現珍藏于法國·巴黎盧浮宮博物館。

蒙娜麗莎是意大利文藝復興時代著名畫家達·芬奇的肖像畫作品。畫中的主人公是當時的新貴喬孔多的年輕的妻

子蒙娜·麗莎，這幅畫畫了4年。 那時，蒙娜麗莎的幼子剛剛夭折，她一直處于哀痛之中，悶悶不樂。為了讓女主人

高興起來，達芬奇在作畫時請來音樂家和喜劇演員，想盡辦法讓蒙娜麗莎高興起來。 這幅畫完成后，端莊美麗的蒙娜

麗莎臉上那神秘的微笑使無數人為之傾倒。畫中的蒙娜麗莎成為美學的，哲學的象征性形象，早已成為達達主義和超

現實主義畫家模仿的對象。

500年來，人們一直對《蒙娜麗莎》神秘的微笑莫衷一是。不同的觀者或在不同的時間去看，感受似乎都不同。有

時覺得她笑得舒暢溫柔，有時又顯得嚴肅，有時像是略含哀傷，有時甚至顯出譏嘲和揶揄。在一幅畫中，光線的變化

不能像在雕塑中產生那樣大的差別。但在蒙娜麗莎的臉上，微暗的陰影時隱時現，為她的雙眼與唇部披上了一層面紗。

而人的笑容主要表現在眼角和嘴角上，達 ·芬奇卻偏把這些部位畫得若隱若現，沒有明確的界線，因此才會有這令人

捉摸不定的“神秘的微笑”，此微笑的含義是“世界十大未解之謎”之一。

馬奈[法國] 《女神游樂廳的吧臺》

創作于1882年，現珍藏于英國倫敦大學的科陶德美術學院（Courtauld Institute of

Art）。

愛德華·馬奈（1832—1883年）不是真正意義上的印象派畫家，他從沒有參加過印象派的畫展，但他和印象派畫

家關系密切，深受印象派畫家崇敬，有人說他是印象派的奠基人。

《女神游樂廳的吧臺》充滿了許多當時的女神游樂廳的具體細節。酒吧女招待獨自站在一個擁擠的房間。她的面

容顯示的是從自己的工作中的超脫，憂郁，精力分散，沉思在另一個世界里。酒吧里其他人擁擠地反映在墻上的鏡子

里。一名戴手套的女子正在與她的情人或客戶交談。在繪畫的左上角的綠色腳是雜技團的一個空中飛人為餐廳顧客表

演。馬奈簽了自己的名字在左下方的酒瓶標簽上。亦有人認為她是現代維納斯，因為桌上的玫瑰代表了脆弱的愛情。

米勒[法國] 《牧羊女》

創作于1864年，現珍藏于巴黎奧賽博物館。

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讓·弗朗索瓦·米勒 (Jean-Francois Millet, 1814-1875年)，是法國近代繪畫史上最受人民愛戴的畫家。他那

純樸親切的藝術語言，尤其被廣大法國農民所喜愛。他出身于農民世家，幼年時便顯露出繪畫的天才，受到老師的鼓

勵而立志學習繪畫。

在這幅畫中，畫家捕捉了一個十分抒情的牧羊生活場面（天空、草原、羊群、祈禱著的少女）：高高的地平線，平

坦與遼闊無垠，牧羊女披著舊毛氈披肩，圍著紅頭巾，孤獨地與羊群為伴??這個頭上包著暗紅色繡花毧帽，身上披

著厚重毛氈的牧羊女，背對著羊群與彩霞，兀自編織著手上的毛線衣，她微躬的身影與專注的神情，宛如禱告般的虔

誠。

有人說那個虔誠的牧羊女就是米勒，或者說是他的精神化身，貫穿終身的是作者自己對大地、對自然的虔誠。憂

郁悲切的牧羊女，在夕陽的余輝中，站立在曠野上，似乎在默默的禱告著。米勒由于自身的體驗，感受到貧苦勞動者

的辛酸與痛苦，所以他以悲憫和同情的心態創作了這幅畫。

勃魯蓋爾[荷蘭] 《農民的婚宴》

創作于1568年，現珍藏于奧地利維也納藝術史博物館。

彼得·勃魯蓋爾（Bruegel，Pieter 約1525～1569）:16世紀尼德蘭地區最偉大的畫家。一生以農村生活作為藝

術創作題材，人們稱他為“農民的勃魯蓋爾”。他善于思想，天生幽默，喜愛夸張的藝術造型，因此人們又贈給他一

個外號叫“滑稽的勃魯蓋爾”。他繼承了博斯的藝術風格，又被譽為“新博斯”。他是歐洲美術史上第一位“農民畫

家”。彼得·勃魯蓋爾是自揚·凡·愛克開始的刊期荷蘭畫派的最后一位巨匠。

《農民的婚禮》是一幅反映了農民平凡而溫暖的生活的風俗畫，充滿了真摯的情感。為了使圖畫和農村的簡樸氣

氛相適應，藝術家有意讓所有人物的衣著單調一色，明暗大為淡化，甚至將陰影省略。另外畫家構圖設色的高超技藝

的同樣驚人，他以從餐桌一端斜向展現縱深的形式把眾人圍聚就餐的情景表現得條理清晰，空間效果非常好，是應用

了當時最先進的對角線構圖法。墻上僅用一席綠色簾布使得新娘及家主所在位置突出，也使得主題集中，令觀賞感到，

雖是普通農家的宴席，卻洋溢著隆重甚至圣潔的氣氛。

梵高[荷蘭] 《打開的圣經》

創作于1885年，現珍藏于阿姆斯特丹梵高博物館。

《打開的圣經》（Still Life with Bible），是荷蘭后印象派畫家文森特·威廉·梵高的作品，于1885年創作，

這幅畫像是17世紀的靜物作品，當時的靜物多有道德、世俗財富、世界物品和科學知識等意味，與基督教的信仰形成

對比。然而在梵高的這幅靜畫里，卻結合了這兩種傳統：信仰上的主題，與高度的個人情感與詮釋。

畫中，圣經旁邊畫了一本法國文豪左拉的小說《生活的喜悅》（La joie de vivre），當時，梵高與喜歡左拉的

作品，將之視為《現代生活的圣經》。

梵高的父親西奧多（Revered Theodorus Van Gogh）是一位神職人員，于1885年突然過世，這幅畫多少反應出了

梵高與父親的關系。畫中的這兩本書，似乎透露出了梵高對父親的一些想法。

作品中梵高用熄滅的蠟燭，來控訴當時西方社會最重要的價值體系—信仰中應當存有的悲憫、公義，在教會界已

蕩然無存，社會陷入黑暗，貧困的人民已經被棄絕的事實。

萊頓[英國] 《纏毛線》

創作于1878年，現珍藏于悉尼新南威爾士美術館。

弗雷德里克·萊頓又譯洛德·萊頓（Frederic Leighton，1830--1896）是英國19世紀唯美主義畫派最著名的畫

家，在英國繪畫史上享譽極高。他以極其輝煌的藝術風格沖淡了雷諾茲，成了英國皇家學院派的代名詞。

畫家沿用古典繪畫法則，以學院派繪畫的嚴謹，描繪了纏毛線的母女。年輕的母親坐在凳子上，姿態優美地繞著

毛線， 衣裙的表現呈現古典風格；小女孩全神專注地配合著母親，扭動著身體，一幅稚氣。萊頓以古典手法去表現生

活，因而使作品有呆板僵化之感，并且流露出缺少真實情感表現的缺陷。

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